Alla Gran Guardia di Portoferraio, quattro linguaggi femminili si incontrano in un inatteso racconto comune tra identità, separazione e partecipazione. A cavallo tra la prima e la seconda metà di luglio prosegue, negli storici locali della Gran Guardia di Portoferraio, la mostra pittorica che riunisce la produzione di quattro artiste, chiamate a confrontarsi nel medesimo spazio espositivo pur conservando ciascuna la propria autonomia espressiva. È proprio questa apparente distanza tra linguaggi, sensibilità e soluzioni formali a rendere interessante la lettura dell’esposizione. Più che mettere a confronto singoli dipinti, tecniche o soggetti, si è preferito osservare l’insieme della produzione presentata da ciascuna pittrice, cercando di riconoscere, oltre le differenze stilistiche, il carattere generale della rispettiva ricerca e l’eventuale presenza di un filo conduttore capace di attraversare l’intera mostra.

La firma non è un dettaglio

Colpisce, tuttavia, un particolare che non riguarda direttamente la qualità pittorica delle opere, ma la loro stessa identità. Diversi quadri risultano privi di firma; altri recano sigle o sottoscrizioni tanto difformi o difficilmente decifrabili da non consentire un’attribuzione immediata, se non attraverso il confronto con lo stile generale dell’artista o con i cartellini esposti accanto alle opere. La presenza della firma contribuisce inoltre a garantire la continuità documentale dell’opera, la sua riconoscibilità futura e la possibilità di ricostruirne provenienza, attribuzione e collocazione nella produzione complessiva dell’artista. Si tratta di aspetti che incidono inevitabilmente anche sulla progressiva formazione del valore storico, artistico e commerciale del dipinto. Le opere prive di una sottoscrizione riconoscibile perdono una parte importante della propria identità, soprattutto quando vengono separate dal contesto originario dell’esposizione e dai cartellini dedicati soprattutto al soggetto piuttosto che all’autore.

Oltre il singolo quadro 

Ogni dipinto possiede naturalmente una propria autonomia, una propria struttura e una particolare capacità di suscitare emotività, ricordi o associazioni differenti. Tuttavia, quando più opere dello stesso autore vengono osservate contemporaneamente, esse tendono a rivelare qualcosa che il singolo quadro, considerato isolatamente, potrebbe non mostrare con altrettanta evidenza. Emergono allora una continuità di pensiero, una ricorrenza simbolica e un orientamento costante della sensibilità, riconoscibili nei rapporti tra forme, colori, figure e spazio. Per offrire una prima interpretazione generale della mostra, si è scelto pertanto di non soffermarsi in modo particolare su una singola tela, né di attribuire a ogni dipinto un significato definitivo.

Incontro di stili

L’intento è stato piuttosto quello di formulare un giudizio critico sull’insieme dei lavori presentati da ciascuna pittrice, cercando di coglierne lo stile dominante, l’impostazione mentale e la tensione simbolica che sembra attraversarne la produzione. Pur senza alcun programma comune dichiarato, le quattro artiste sembrano infatti ruotare attorno a una medesima questione: il rapporto tra ciò che appartiene al singolo e ciò che appartiene all’insieme. Ognuna affronta questo tema con strumenti differenti, ma tutte sembrano interrogarsi, consapevolmente o meno, sulla possibilità che le relazioni trasformino il significato delle forme e delle figure rappresentate. La mostra può essere così osservata non soltanto come una successione di dipinti, ma come l’incontro tra quattro distinti modi di concepire l’immagine: quattro linguaggi femminili che, attraverso soluzioni autonome, si misurano con il rapporto tra individuo e collettività, tra separazione e unione, tra autonomia delle parti e costruzione di una realtà comune.

Linda Killick

Nelle opere dell’artista emerge con particolare evidenza una tensione verso la dimensione collettiva dell’esistenza, ossia una sorta di energia dell’insieme, anche se non è stato facile individuare i suoi quadri per la inquieta variazione delle sue firme, quando sono presenti. Le singole individualità di questa pittrice non appaiono chiuse nella propria autonomia, ma tendono a incontrarsi, a disporsi entro uno spazio comune e a trasformare le rispettive energie personali in una risorsa condivisa. Lo stare insieme nella maggior parte delle sue composizioni non assume soltanto un valore compositivo, ma diventa il principio dominante della rappresentazione: un modo per suggerire che dall’unione, dalla partecipazione e dalla collaborazione possa derivare un risultato che il singolo, isolatamente, non sarebbe in grado di raggiungere. In questa prospettiva, la solitudine sembra configurarsi non tanto come una condizione ricercata, quanto come una possibilità dalla quale l’artista tende ad allontanarsi.  Le singole presenze mantengono una loro riconoscibilità, ma acquistano una forza ulteriore nel momento in cui entrano in relazione. È come se l’identità personale non venisse ridotta, bensì ampliata dal rapporto con le altre. Si può riconoscere pertanto nella pittura di Linda Killick una sorta di fuga dall’isolamento: non una fuga inquieta o disordinata, ma un movimento consapevole verso una comunità possibile, nella quale le risorse personali, anziché disperdersi, confluiscono in una volontà comune, artistica e umana.

Lucilla Andreanelli

Nei lavori più caratteristici di questa artista, il dipinto osservato è come se cambiasse i soggetti contenuti ogni volta che guardiamo. E’ infatti, la materia pittorica che sembra organizzarsi attraverso sovrapposizioni, intrecci, vortici e arabeschi. A un primo sguardo, tali elementi possono apparire privi di un coordinamento immediatamente riconoscibile. È possibile che il gesto iniziale conservi una componente spontanea, istintiva e non interamente programmata. Tuttavia, nel risultato finale, quelle stesse forme finiscono per comporre un universo sorprendentemente ricco di immagini latenti. Questo stile che accompagna la maggior parte dei suoi quadri non è la sola espressione artistica che la pittrice annovera nel suo repertorio. Ma la ricchezza interpretativa di questo tipo di dipinti non esaurisce con una sola osservazione il contenuto semantico a cui il visitatore riesce a risalire.  Infatti, dalle configurazioni cromatiche emergono figure che la fantasia può assimilare ad animali, creature del bosco, personaggi fiabeschi o presenze antropomorfe. Non si tratta di riferimenti riprodotti in modo rigorosamente determinato ma piuttosto apparizioni suggerite dalla disposizione delle linee, dai contrasti di colore e dalla sovrapposizione dei diversi piani pittorici. E perché questo? Perché l’artista non intende imporre una figura precisa, ma predisporre il campo visivo affinché quella figura possa manifestarsi nello sguardo di chi osserva.

Molte storie dentro una sola immagine

Alcune presenze emergono immediatamente; altre si rivelano soltanto dopo una visione più prolungata; altre ancora nascono dall’incontro fra elementi che, osservati separatamente, non possedevano alcuna riconoscibilità figurativa. Il numero stesso delle immagini sembra così variare secondo il livello interpretativo adottato e secondo la disponibilità dello spettatore a lasciarsi guidare dalla propria fantasia. In questa mutevolezza risiede uno degli aspetti più caratteristici della pittura di Lucilla Andreanelli. Le opere non consegnano un’immagine unica e definitiva, ma propongono una pluralità di letture possibili. Ogni osservatore può riconoscervi storie differenti, attingendo alla propria memoria visiva, alla fantasia, alle suggestioni letterarie e al patrimonio simbolico dell’infanzia. La materia pittorica acquista così una capacità generativa. Andreanelli non dipinge semplicemente figure riconoscibili, ma crea le condizioni affinché esse possano apparire. Le sue opere non raccontano una sola storia: contengono, sovrapposte, molte storie possibili, che cambiano con lo sguardo, con lo stato d’animo e perfino con il trascorrere del tempo. Si può quindi tornare davanti allo stesso dipinto e avere la sensazione di osservarne ogni volta uno diverso, poiché nuove figure sembrano affiorare da una materia che non esaurisce mai completamente le proprie possibilità. Anche in questa pittura ritorna, in forma diversa, il rapporto fra la parte e il tutto. Ogni segno, preso isolatamente, può apparire indefinito; è soltanto nell’incontro con gli altri segni che acquista una possibile identità.

Wendy Templeman

Nelle opere di Wendy Templeman l’armonia nasce dalla partecipazione. il tema dell’unione sembra manifestarsi attraverso l’assemblaggio delle parti e la loro partecipazione a una struttura più ampia. Ogni elemento mantiene una propria individualità, una posizione e una funzione riconoscibili, ma nessuno appare interamente sufficiente a se stesso. Il significato nasce dal modo in cui le singole presenze concorrono alla formazione dell’insieme. La composizione suggerisce quindi una concezione collettiva dell’opera. Le parti non vengono annullate in una massa indistinta, ma collaborano alla costruzione di una realtà comune, nella quale ciascuna contribuisce secondo il proprio ruolo. Si potrebbe richiamare, in questo senso, il principio di “ognuno per sé e tutti per uno”, purché non venga inteso come una contraddizione, bensì come un equilibrio fra autonomia individuale e partecipazione collettiva. La singolarità viene conservata, ma acquista il proprio pieno significato soltanto nel rapporto con ciò che la circonda.

La figura centrale e la voce dell’insieme

In alcune rappresentazioni, una figura dominante può assumere simbolicamente la funzione di guida o di centro ordinatore. Non necessariamente un leader nel significato gerarchico del termine, ma un punto di riferimento capace di riassumere, rappresentare e orientare la pluralità delle presenze che compongono l’opera. La figura centrale non sostituisce dunque le altre, né ne cancella l’identità. Al contrario, sembra esistere proprio perché le altre figure vi convergono e, nello stesso tempo, ne rendono possibile la funzione rappresentativa. Il tutto si riflette nella parte e la parte, a sua volta, diventa espressione del tutto. La pittura di Wendy Templeman può essere letta pertanto come una ricerca di ciò che nasce dalla complessità della partecipazione. L’opera non è soltanto la somma materiale dei suoi elementi, ma il risultato delle relazioni che si stabiliscono fra essi. Ogni presenza aggiunge qualcosa che le altre non possiedono e completa una costruzione che rimarrebbe altrimenti incompiuta. Anche in questa pittrice ritorna così il rapporto fra individuo e collettività, fra separazione e appartenenza. La singolarità non viene negata, ma inserita in un ordine più vasto, nel quale ciascun elemento trova la propria ragione proprio attraverso la relazione con gli altri.

Vera Caro

Il confine che divide e nello stesso tempo unisce.  Di tutt’altra natura appare il linguaggio pittorico di Vera Caro, le cui opere sembrano interrogare il rapporto fra unione e separazione attraverso immagini di forte modernità e intensa capacità evocativa. Le figure rappresentate non si offrono allo spettatore entro uno spazio pienamente accessibile. Fra l’interno del quadro e il mondo esterno si frappongono barre, sbarre, legamenti, arabeschi di contenimento e strutture lineari che sembrano impedire, ad esempio anche con il vento di sabbia in uno spazio aperto, il un passaggio diretto da una realtà all’altra. Le opere si presentano così come uno spazi autonomi, quasi protetti, trattenuto o confinato entro i loro limiti. Eppure, proprio ciò che separa finisce anche per mettere in relazione. La barriera non è soltanto un impedimento. Diventa una soglia, una porta simbolica o il punto attraverso il quale l’interno dell’opera e lo sguardo dello spettatore prendono coscienza della reciproca esistenza. Senza quella distanza, forse, non vi sarebbe neppure la percezione del legame. Le strutture che attraversano le immagini assumono pertanto una funzione ambivalente. Da una parte trattengono, delimitano e impediscono il trasferimento fra i due mondi; dall’altra li pongono in tensione, rendendo visibile il desiderio di una comunicazione possibile, ma non pienamente compiuta.

Chiusura o continuità?

Nella pittura di Vera  Caro l’unione non coincide con la fusione. Le realtà rimangono distinte: da una parte il mondo racchiuso nella tela, dall’altra quello dell’osservatore. Il rapporto fra esse nasce dal confine, dalla resistenza e dalla difficoltà dell’attraversamento. È proprio questa contraddizione a conferire alle opere una particolare forza espressiva. Le barre, le sbarre e gli arabeschi di contenimento possono essere percepiti come elementi di chiusura, ma anche come segni di collegamento. Sembrano dividere, mentre nello stesso tempo costruiscono una trama comune entro la quale le figure acquistano significato. Vera Caro rappresenta quindi il legame non attraverso l’abolizione della distanza, ma attraverso la sua evidenza. La separazione diventa il luogo nel quale l’incontro viene cercato, immaginato e forse soltanto intravisto. L’opera non invita lo spettatore a entrare liberamente, ma lo trattiene sulla soglia. Lo costringe a osservare, a interrogarsi e perfino a misurarsi con ciò che unisce proprio perché, nello stesso momento, divide. Il confine non è più soltanto una linea di esclusione. Diventa il punto nel quale nasce la consapevolezza dell’altro.

Il filo invisibile della mostra

A questo punto appare possibile individuare, quasi indipendentemente dalle intenzioni originarie delle quattro artiste, un filo comune dell’intera esposizione. Linda Killick sembra rappresentare l’unione come trasformazione delle energie individuali in risorsa collettiva. Wendy Templeman la interpreta attraverso la cooperazione delle parti nella costruzione di un insieme più ampio. Vera Caro la esprime mediante la tensione fra separazione e collegamento, facendo del confine il luogo stesso nel quale il rapporto diventa percepibile. Anche Lucilla Andreanelli, pur muovendosi attraverso un linguaggio più astratto e apparentemente distante, partecipa alla medesima ricerca: dalle sovrapposizioni, dagli intrecci e dall’incontro dei segni nascono figure nuove, che nessun elemento isolato sarebbe in grado di generare. La coincidenza più interessante è dunque questa: in tutte e quattro le esperienze artistiche la parte non resta mai completamente separata dal tutto. Talvolta cerca l’unione; talvolta ne denuncia l’ostacolo; talvolta vi partecipa strutturalmente; altre volte la genera attraverso la sovrapposizione delle forme. 

In conclusione

Il rapporto fra individualità e complessità sembra così costituire, consapevolmente o meno, la trama profonda dell’intera mostra. Forse nessuna delle quattro pittrici si è proposta deliberatamente di affrontare un tema comune. Eppure è proprio questa la sorpresa che la lettura d’insieme finisce per restituire. L’osservatore scopre che opere nate da percorsi autonomi possono dialogare fra loro fino a costruire un racconto condiviso. È il privilegio delle esposizioni collettive quando riescono a superare la semplice giustapposizione dei quadri e diventano un’occasione di confronto fra idee, sensibilità e differenti visioni del mondo. Alla Gran Guardia questo dialogo silenzioso sembra realmente esistere. E costituisce forse il risultato più significativo dell’intera mostra: quattro linguaggi autonomi che, senza rinunciare alla propria identità, finiscono per porre la stessa domanda. Che cosa accade alla parte quando entra in relazione con il tutto?

Alberto Zei